摘要：俄国画家瓦西里·康定斯基是西方抽象绘画的创始人，并在实践的基础上建构了自己的抽象主义的理论体系。本文将通过对康定斯基艺术思想的解读，结合其不同时期绘画作品，对其艺术理论进行深入的分析，阐述其综合艺术的思想及艺术要表现精神的创作理念，以求获得艺术创作的新思路、新启迪。
　　关键词：康定斯基；抽象；内心需求
　　
　　西方绘画艺术发展到一战前，一位颠覆人们传统视觉经验的画家出现了，他就是瓦西里·康定斯基。康定斯基是西方抽象绘画的创始人，他不但在创作实践上推动了抽象主义的产生和发展，还在理论上构筑了抽象主义的创作思想和审美理念的体系。康定斯基的艺术理论影响了整个现代抽象主义运动的方向，并成为西方现代艺术重要的构建因素。
　　康定斯基的思想里，有一个终极的目标，就是综合各门类的艺术形式，创造出一门独立的新艺术。［１］音乐、绘画、舞蹈等艺术门类的表现方式都是迥异的，但它们都可以表达相同的内在精神，都可以激发人们的内心情感。在康定斯基的自述中，除绘画以外多次被提及的另一个艺术门类就是音乐。
　　康定斯基的父母在他五岁的时候就离异，他的姨妈成为他的抚养人，在那时康定斯基开始接触到了，影响甚至决定他一生的两门艺术——绘画与音乐。幼年对钢琴及大提琴的学习带给了他很好的音乐素养，对音乐的喜爱及敏锐的感知力一直延续了他的一生。他认为绘画与音乐之间有着密切的联系。在他1913年写作的《回忆录》中他提到了一次刻骨铭心的体验：“瓦格纳的作品《洛恩格林》，在我看来则是莫斯科的完全现实。小提琴、男低音深沉的声音，尤其是管乐器，那时对我来说体现了夜幕降临之前的所有力量。我看见了自己精神上的所有色彩；它们站立在我的眼前。野性甚至疯狂的线条在我面前勾画着。我不敢声称瓦格纳已经音乐性地画出了‘我的时光’。然而就总体而言，艺术所具有的力量远超乎我曾认为的；另一方面，绘画能够产生音乐具有的力量。”[2]康定斯基在瓦格纳的音乐中感受到了色彩的律动，而在他的画作中也可以看到在绘画中表现音乐所带来的感动的尝试。如他1913年所绘的《构图6号》又名《作曲》，1926年的《蔷薇色的重音》等等。在他绘画创作的每个阶段中，都有几幅与音乐感受有关的作品。
　　在1911年，康定斯基第一次听勋伯格的音乐会后，给勋伯格写了一封信：“您刚才的音乐会让我感受到了真正的愉悦。当然，您并不认识我──也就是说我的作品，因为我的作品很少展出，只是几年前在维也纳短暂展出过。然而，我们正在努力追求的东西，以及我们的思维和感觉方式有如此多的共同之处，我觉得完全有理由表达这种共鸣。在你的音乐中，我找到了自己极其渴望的东西，尽管它是难以名状的。”康定斯基在勋伯格音乐中找到了创作精神上的共鸣，他希望绘画能带来与音乐相同的内心震动。同时他又创作了《印象3号——音乐会》。在这幅画中，很难看出有任何的客观具体物象，之前他为此画所做的两张草图（《为〈印象3号（音乐会）〉做的研究》）相对更为具象一些。在标题的提示下，可以看出画中大块的黑色三角形是钢琴的暗示，而画面中大面积的黄色，仿佛是现场音乐氛围的一种写照，强烈而具有蔓延性，似乎要脱离画面的控制。在画面中色彩之间发生激烈的碰撞，创造出了一个新的充满色彩交响的世界。他说过“音乐之声可以唤起一种精确色彩的联想。你可以‘听’色彩和看‘声音’”[3]，在康定斯基的理论中，色彩可以与音乐相对应，更进一步的是与心灵及内在精神状态有对应的象征。“黄色是大地的颜色。它没有丰富的含义，似乎从画面中心伸展出来，冲向观者。如果我们用黄色来比拟人类的心境，那么它所表现的也许还不是精神病的抑郁苦闷，而是其狂躁状态。”[1]康定斯基对色彩感受的阐述，与科学的色彩心理学不同，它只关乎康定斯基个人的心理体验。他认为“色彩直接影响心灵。……色彩的和谐必须最终依赖于人的心灵有目的的弹奏，这是内心需求的一个指导原则。”[3］
　　“内心需求”是康定斯基理论的基础。对康定斯基而言，最重要的不是形式问题，而是形式的意蕴，“外部乃是源自内部，否则就是死胎”[2]。虽然他肯定了“形式元素具有自己绝对的自然效果”[2]，但形式只是绘画的一种“元素”[2]，艺术作品中形式的运用最终还是归结到内在需求，形式只是内在需求的一种外在的表现，所以他反对只注重外在的形式。康定斯基的这种观点与同样是探索抽象方式的毕加索是相异的。毕加索将外界事物分解成几何形体，形成一种平面化、抽象化的画面。他企图找到一种公式化的、纯理性的分析方式来表现构图，用一种客观的形态来表现同样是客观的事物。毕加索的“立体主义”是依靠理性的创作方式。而康定斯基绘画的创作是感性的、自发的、更具有神秘性的，形式只是艺术家精神的体现，并不是为形式而形式。在康定斯基看来只注重形式的因素，抽象的绘画就只具有装饰性，而不会激发观众内心同样的情感。